14)日本の洋画黎明期の画家たち その18 熊谷守一

その18 熊谷守一

熊谷守一(1880年(明治13年)-1977年(昭和52年))は日本の美術史においてフォービズム の画家と位置づけられている。しかし作風は徐徐にシンプルになり、晩年は抽象絵画に接近した。 富裕層の出身であるが、極度の芸術家気質で貧乏生活を送り、二科展に出品を続け、画壇の仙人と呼ばれた。 守一は機械紡績を営む事業化で地主の熊谷孫六郎(初代岐阜市長)の三男として岐阜県恵那郡付知(現 中津川市付知町)に生まれ、子供時代から絵を好んだ。 1897年(明治30年)慶応義塾普通科に入学するが1年で中退。1899年(明治32年)召集。 1900年(明治33年)東京美術学校に入学。同級生に青木繁、山下新太郎らがいる。 1906年(明治39年)樺太調査隊に参加してスケッチを行う。 1909年(明治42年)第3回文展で自画像蝋燭が入賞。 1915年(大正4年)第2回二科展に出展、以後毎年出品。 1922年(大正11年)42歳で大江秀子と結婚、5人の子供に恵まれたが絵が描けず貧乏が続いた。 1932年(昭和7年)池袋モンパルナスと称される地域の近くに家を建て、残りの生涯をこの家と15坪 の小さな庭からほとんど出ずに家族、猫、鳥と過ごす。 1947年(昭和22年)二紀会創立に参加。1951年(昭和26年)二紀会退会、無所属作家となる。 守一は写実画から出発し、表現主義的な画風を好み、やがて洋画の世界で熊谷様式といわれる独特な様式 極端なまでに単純化された形、それらを囲む輪郭線、平面的な構成を持った抽象度の高い具象画スタイル を確立した。 岐阜県中津川市と東京都豊島区に熊谷守一美術館がある。

油絵の技法 その22 フレスコ

油絵具が発明される以前は絵画技法と言えば、フレスコ画かテンペラ画でした。 当時の画家たちは競って教会の壁を飾り、人の目を魅了したのはフレスコの力強い表現と 鮮やかな色彩でした。 フレスコ画とは壁に直接絵を描く技法で、生乾きの壁に顔料を水で溶いて絵を描き、壁の 乾燥によって定着させるものでした。 ウレスコ画の描き方は3種類あります。 1)フレスコ(湿式画法 ブオンフレスコ)  通常のフレスコ画と呼ばれているもので、未乾燥の石灰モルタル壁に顔料を水のみで溶いて  描く方法です。 2)フレスコセッコ(乾式画法 アセッコ)  乾燥した石灰モルタル壁を水で濡らしておいて、顔料に石灰やカゼインなどのバインダーと  呼ばれるものを加えて、水で溶き、描く方法です。  石灰などが糊の役割を果たして定着します。 3)メッゾフレスコ  1)のフレスコ画法で描いた後、2)のアセッコ技法で加筆する方法です。  漆喰の乾燥する間に描ききれなかった細部描写や修正の為に行われます。

フレスコの他の絵画技法との違いは画面への絵具の定着を溶液に頼らないことです。 つまり日本画のにかわ、油絵の溶き油、水彩のノリ、といった溶剤はフレスコは一切不要です。 濡れた石灰の上に水溶きの顔料(粉末状の色素)を乗せてやれば石灰水が顔料を覆い、空気中 の二酸化炭素と反応して透明な結晶となります。 顔料はこの結晶に閉じ込められて美しさを保ちます。

油絵の技法 その21 テンペラ

テンペラは現代で言う油彩画が発明される前までは西洋絵画の主流を占めていた技法です。
テンペラ画の絵具は顔料を主に卵を練ったものです。
特徴として水で描くことができ、乾きが早く、発色がよいことです。
また油絵具との併用も出来ます(混合技法)。
比較的簡単に絵具が作れるので手作りの面白さがあります。
透明水彩画のような描き方から重々しい古典絵画まで幅広い表現が楽しめます。
絵具の作り方ですが、簡単なのは卵の黄身と顔料を混ぜ合わせるだけというものです。
但しこの方法はシンプルだけに絵具の若干のもろさが出ますので、卵とダンマル樹脂と
スタンドオイルを加えたメデユームと顔料を混ぜて絵具を作る樹脂テンペラという技法を
使えば、より堅牢なテンペラ画を描くことができます。
しかしこの技法もメデユームの中の油分が多いので水に溶けにくく技術面で難しいところが
あります。
そこで卵黄に油だけでなく、膠、小麦粉などを練りこんで、練りこみテンペラという技法も
あります。
これですと、顔料と混ざりやすく、水によくなじみ、非常に堅牢な画面が得られます。
テンペラ絵具は油絵具と比べると修正がききにくいので最初からしっかりした下絵を描いて
おくこと。そして正確に支持体に写し取り、その形に沿って絵具を丹念に塗り重ねることが
必要です。

油絵の技法 その20 混合技法

混合技法とは、テンペラと油彩を併用する技法のことです。
テンペラとは油絵具が登場する前の絵具のことで、今日では水溶性の絵具のことを指すのが
一般的です。
ヨーロッパで最も多く使われていたのは卵テンペラです。
この混合技法の最も特徴的なことは、油の上に水、すなわち絵具の上にテンペラがはじく
ことなく乗ることです。
そのために乳化という処理をすることになります。
この乳化という現象は良く知られているマヨネーズの製造法に見ることができます。
サラダ油を卵黄と混ぜると酢(水)に混じる現象です。
これは油脂分が水中に微粒子状に分散しているエマルジョンという状態です。
このようにすることによって、描く時は水で希釈でき、乾燥すると水分が飛んで、油脂分
だけになって、油絵具と同じになります。
このエマルジョン化したテンペラと油絵具を交互に塗り重ねていく技法が混合技法です。
テンペラは水で溶いて描きますから水分が蒸発した時点で乾きます。
又、その体積の大半が水ですから、乾燥後は量が減り、フラットになります。
逆に油彩は乾燥が遅いです。がぼかしや色彩の移行が簡単にできます。
また油、樹脂分は無くなりませんから盛り上がりは残り、透明になります。
これらの両方の長所を取り入れて表現するのが混合技法と言えます。

油絵の技法 その19 マーブリング

水面に油分を含んだ液体を皮膜状に流し、それを平面に写し取る技法。 流れるような形が大理石の模様を連想させることから名付けられた。 偶然にできる色と形の面白さを使用する技法である。 日本では墨流しといい、古くは古今集などの紙にも用いられている。 トルコでは装飾品の模様として用いられエブルとも呼ばれている。 もともと中国で始まったものがトルコに伝わったと言われている。

紙、木工面等の水を吸い込む性質のあるものであれば全てマーブリングで染めることができます。 水面の水よりも比重の軽い墨汁や絵具を垂らして、水面に浮かぶ墨汁や絵具の模様を紙に染める 絵画画法です。 偶然にできる色と形の面白さを利用する技法なので絵が苦手な子供でも楽しくでき、絵を好きに なるチャンスをつくることができます。 又、この技法は幻想的な画面を作りますから、お話の絵や空想の絵でイメージを広げ、想像力 を培うのに大きな助けとなります。 子供たちがそのユニークな感性を発揮することのできる技法です。 方法は簡単です。 まずは平たいトレイの水を張り、そこへ墨汁又は絵具を垂らします。 そして先端に油を付けた爪楊枝などで数回水面をつつきます。そうすると墨汁の場合は墨の黒い 膜の穴が明きます。次に竹ひごを使ってかき混ぜます。 そうすると神秘的な渦巻状の模様ができます。これを和紙に写し取ったら完成です。

油絵の技法 その18 パティック

パティックとはろうけつ染めのことです。布にろうで模様を描き、染めるとろうが乗っているところ
はろうで染料が乗らず、染め残ります。
染色の工程を何回も行い、複雑な模様を作っていくのがパティックです。
一般的なパティックは幾何学模様や同じ模様が幾重にも重なるデザインです。
最近では絵画技法を取り入れた鮮やかな花や鳥をデザイン化したパティックもあります。
又逆に、絵画技法の1つとしてパティックの制作工程を絵を描く工程に取り入れることもあります。

パティックの本場はインドネシアのジャワやソロです。
この地域の伝統文化、伝統芸術として長年にわたり育まれてきました。
本場ではありませんがバリ島でも作られています。
バリ島はイカット(絣 かすり)やソンケット、グリンジンといった布が使われ、カランガッサム県
のシンデメンというところで入手できます。
グリンジンはダブルイカットといった特殊な織物で世界でもインド、日本(大島紬)とバリ島しか
作られていません。
バリ島に観光に行くと絵画技法を使った鮮やかなパティック風のニセ物が横行を目にします。
パティックのデザインを印刷した布をパティックとして売っています。
印刷で作った布はパティックではなく単なるパティックデザインのプリント生地です。
見分け方は裏を見ればすぐに分かります。
本物のパティックは染色なので生地の裏も色が乗っています。
ニセ物は裏が白いままです。

油絵の技法 その17 グリザイユとカマイユ

グリザイユは白黒の明暗で描く方法です。
このまま作品とするより油絵具で彩色するための下塗りとして使います。
一般的な色はシルバーホワイトとピーチブラックにより明暗を作ります。
一方カマイユは褐色の明暗で描く方法です。
これもこのまま作品とするより、油絵具で彩色するための下塗りとして使うと効果的です。
一般的な色はシルバーホワイトとイエローオーカーとバーントシェンナにより明暗を
作ります。
いずれの技法もモノクロやセピアの写真のようにモノトーンの画面が作れます。
油絵の下層描きにこの技法を応用すると、フォルムと色彩に分業された画面構築をすること
ができます。
つまりグリザイユやカマイユで光と形を表現して、その後、着彩して色彩を表現します。
形象と色彩を一度に表現するのは難しいものですが、この技法を使えば、まず色彩に
とらわれず、描きこんだ後に今度は色に集中して描くことができます。
下層のトーンが上層の色彩に微妙な変化を与えますので、混色をあまりしなくても
複雑なニュアンスを生み出すことができます。
色の表現に悩んでいる人にはおすすめです。
カマイユは有色の下地の上に単色の明暗の調子だけで描いた絵です。イタリア語のカメオ
と同じ語源を持ち、カマイユは単色画の総称です。
グリザイユもカマイユの一種と言われています。

油絵の技法 その16 ウエットインウエット

絵具が乾く前に、つまり濡れている状態で塗り重ねる技法をウエットインウエットと言います。
これは絵具の層と層に隔絶せづに1体化した構造断面となるため、塗膜形成機構は安定に保たれ
ます。
この技法はすばやく行わなければならず、漫然と塗り重ねを続けていると表面と内面の乾燥機構
にひづみが生じることになります。
下の絵具が乾いてから塗り重ねるのはウエットオンドライです。
こちらは溶き油の配合や塗り重ねる絵具層の厚さによって重ねるベストタイミングは変化します。
また堅牢性の程度にも影響します。
油絵の他、水彩やアクリルなどで、最初の絵具の上に同色又は別の色の絵具を加えると両者が
自然と混じりあい、特に水彩ではウオッシュの濡れ具合や重ねる絵具の色合いを試してみて
コントロールすることで複雑なにじみ効果が得られる。
日本画のたらし込みや、水墨画の破墨も同様な技法です。
この技法はボブロス画法とも言われています。
1900年代中頃以降にアメリカのボブロスという画家が考案しました。
しかしこの画法の基礎は中性からすでにあり、ボブロスはこの画法をより発展させて独自の
画法を編み出しました。
ようはこれもにじみやぼかしの技法です。
乾いてない絵具の層の上に別の層の色を塗り重ねると伸びやかで自然な色の融合が見られます。
下層の色は独創性を保ちながらも新たな色の深みや新鮮さを与えます。
彫刻的な表現や動きを出したいときに使用します。

油絵の技法 その15 スグラックフィート トッキング テクスチャー

スグラックフィート
半乾きの油絵具の上から筆の反対側の柄の部分を持って、絵具をこそぎ落とす方法。
トッキング
半乾きの油絵具の上に新聞紙をのせて余分な絵具を落とす方法。
テクスチャー
主に下塗りの段階で使われる技法で、画面の質感のこと。
絵具の中に貝の粉や、砂などを混ぜて描くこともテクスチャーである。
一般的な質感とは、金属質、ガラス質、布や紙質などの言い方もできる。
いわゆる、物の表面の質感、手触りなどを示す概念である。
本来は織物の質感を表す言葉です。
油絵では絵を描くときにキャンバスにあらかじめ下塗りの色を塗っておくことがあります。
これを地塗りとか下塗りといいます。
この下塗りの効果は絵を描く上で色々な目的がありますが、その上に載せられる絵具の発色
をよくしたり、色々なマチエール(絵肌、タッチ)やここでいうテクスチャー(質感)を
楽しんだり、色合いの奥深さを出したい、という効果が得られます。これが下塗りの目的です。
マチエールとテクスチャーの区分は難しいですが、マチエールでは絵具の筆やナイフによる
痕跡、キャンバスの布目の凸凹のことを言いますが、これにテクスチャーの質感を含めて
マチエールと言った方が分かりやすい。

油絵の技法 その14 点描3

現在、日本で活躍する点描画家の1人を紹介します。
日展評議員、一水会運営委員 鈴木順一(72)さんです。
国内で点描を用いる画家は多くはないが、鈴木さんは点描一筋。
1961年の一水会展の初入選作品は半点描といえる作品で、逆光の波のきらめきや
魚を入れる籠の表現に点描風のタッチを取り入れています。
その後、シニャックの色彩、光学理論の書籍や画集を取り寄せ、本格的に挑戦。
1973年からは芸術院会員の高田誠さん(1913-92)に師事。
1986年に日展特選。
50年以上に亘り、主に自宅近くの愛知県師崎や豊浜などの漁港や海の風景を点描で
描いてきました。
鈴木さんの描き方は最初は粗く、だんだん細かく。3回ほど下地を塗った後、まず輪郭を
取るように点を置く、さらに画面全体に点を加えていく。
何千回、何万回と気の遠くなるような作業が続く。
点描というと、点を置くという動作に目が行きがちだが、ポイントは色にある。
絵具は混ぜると色が濁る、点描は混色しないで、原色を押し付けるように置いていく。
絵具はチューブから出したほぼそのままの状態。
色ごとに筆も替える。100号以上になると細い筆を40-50本使うという。
色は全体でも基本的に5-6色しか使っていない、そうすることで絵全体に光が溶け込む
感じになる。
作品は色とりどりに見えるが、網膜の中で色が混じりあって効果を生み出している。
と、解説している。